CAL SERÁ A PORTADA DE PREBE#5 ???

Aquí están as 17 portadas!!!, 17 propostas diferentes, frescas e persoais, para elexir entre todos (os habitantes do MGB) e entre todas (as portadas), cal será a que abra a nosa revista, nada menos que o número 5.
VOTA na columna da dereita e axuda a deseñar o NÚMERO 5 !!




PROPOSTA 01 (portada + contra)

...e a súa contraportada:

PROPOSTA 02 (portada + contra)

...e a súa contraportada:

PROPOSTA 03

PROPOSTA 04

PROPOSTA 05

PROPOSTA 06

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PROPOSTA 16

PROPOSTA 17

PERSPECTIVA OBLICUA, CON DOS PUNTOS DE FUGA

Cuando dibujamos aun espacio en el que no estamos situados frontalmente afrente a ninguna pared, sino que tenemos dos paredes perpendiculares entre sí, y vemos ambas "fugando" (es decir, estamos frente a una esquina, ya sea saliente o entrante, escogeremos un trazado con dos puntos de fuga.

La única dificultad añadida al dibujo con perspectiva central (1pf) es que es muy probable que aquí uno de los puntos de fuga (o ambos) nos queden fuera del papel, con lo que tendremos, o bien que trazarlos en un soporte bajo este papel, o bien imaginarlos y tenerlos en cuenta mentalmente mientras dibujamos (a no ser que queramos hacer una perspectiva muy precisa).

Lo primero que haremos será situar en el dibujo la línea de horizonte (LT), que será la línea imaginaria que se sitúa a la altura de nuestros ojos, y consecuentemente, a la altura de los del observador que verá después el dibujo que vamos a hacer

Trazamos los dos puntos de fuga, prolongando visualmente (y trazándolos en el papel) las direcciones que "fugan" a uno y otro punto. En este caso, la pared izquierda y las líneas horizontales contenidas en ella fugarán a PF 2 (derecho), y la pared derecha y sus líneas horizontales fugarán a PF1 (izquierdo)

No dibujaremos, por tanto, líneas horizontales en el papel, como en el caso de un solo PF, ya que cuando tenemos 2 PFs, esas horizontales no serán visibles como tales, y fugarán, o bien a un PF o a otro.

Sólo queda dibujar las líneas verticales (paredes, bajantes, ventanas, columnas, esquinas...), que dibujaremos totalmente verticales, aunque en la realidad, o en una fotografía. como es el caso, se vean ligeramente inclinadas según nos alejamos del centro de la imagen. Pero el dibujo no deja de ser una simplificación, una abstracción de la realidad, por muy real que pueda parecer, y hemos decidido tener en cuenta sólo 2 puntos de fuga.

Hay algunas líneas que no fugan exactamente a ninguno de los pfs, por ser planos inclinados con respecto a alguna de las dos direcciones "fugadas" o con respecto a la horizontal del suelo,

Es el caso del tejadillo de cristal, en su cara derecha, o del respaldo de los bancos, también algo inclinado hacia atrás. En estos casos tenemos que dibujar estas líneas tal y como las veamos, trasladando esa inclinación con respecto a las direcciones de referencia en el papel.

PERSPECTIVA CENTRAL, CON UN PUNTO DE FUGA

La perspectiva cónica permite, de manera sencilla, trasladar la sensación de profundidad y tridimensionalidad percibida por nuestros ojos, a las dos dimensiones del papel.
Puede hacerse de manera muy exacta y precisa (aunque no es un sistema pensado para representar las cosas TAL Y COMO SON sino TAL Y COMO LAS VEMOS, es decir, deformadas -menguadas-  con la distancia -a lo que llamamos FUGAS-).
Muy a groso modo, podríamos decir que puede representarse un espacio en perspectiva con uno, dos o tres puntos de fuga (aunque en la práctica puede haber muchos más, pero cuando dibujamos tendemos a SIMPLIFICAR y hacer las cosas lo más sencillas posible, a fín de que el RECEPTOR, el espectador, decodifique el mensaje, nuestro dibujo, de forma rápida y entienda lo que le mostramos.




UN PUNTO DE FUGA


El pasillo del MGB es un sitio que parece pensado para dibujar con un punto de fuga: largo y de líneas marcadas y rectas, se presta a que nos situemos en uno de sus extremos y dibujemos mirando al lado opuesto.
Lo primero que haremos será DECIDIR EL ENCUADRE, ENCAJAR NUESTRO DIBUJO, o sea, planificar racionalmente desde dónde hasta dónde vamos a dibujar, de izquierda a derecha y de arriba abajo, de esa porción de realidad que vamos a representar.

Una vez hecho esto, trasladamos al dibujo el PRIMER DATO GRÁFICO IMPRESCINDIBLE, la LÍNEA DE HORIZONTE, es decir, la altura de nuestros ojos , y dentro de ella el PUNTO DE FUGA, que sería el lugar en el que las líneas que parten de nosotros hacia el extremo opuesto del pasillo, confluyen.

Veremos que por encima de LH, esas líneas que "fugan" lo harán hacia abajo, confluyendo en el PF, y por debajo lo harán hacia arriba. Dibujamos ahora de manera lo más precisa posible esas líneas que se dirigen a PF, que suelen ser las líneas que separan paredes de techo y suelo, partes superiores de puertas, ventanas y marcos, rodapiés, etc...

Ahora dibujamos o situamos en el papel las paredes (si las hay) o formas que sean FRONTALES a nosotros, es decir, que sólo contengan líneas horizontales o verticales. Esto podemos hacerlo también antes de situar el punto de fuga, para ayudar a ENCAJAR la escena en el papel

Es importante tener en cuenta que, aunque las paredes o formas frontales se ven con su proporción real, (verdaderas magnitudes), sin la deformación de la "fuga", en una sucesión de formas frontales (como las luces del techo), se aprecia un decrecimiento progresivo de las formas más alejadas respecto a las más cercanas, decrecimiento que también se alinea con las líneas que fugan a PF.
Dibujamos ahora las líneas VERTICALES, que en el caso de dibujo con un solo PF no sufren deformaciones y siempre se ven totalmente verticales (aunque en la realidad -y en una foto-) si hay una tendencia a que estas líneas tengan su propia fuga, que en el dibujo de 1 PF vamos a ignorar.

Una vez tengamos las líneas maestras del dibujo, y todas las líneas, distancias y formas definidas, procedemos a borrar las líneas auxiliares, PF y LT incluídas, que nos han llevado hasta aquí, y ya tenemos dibujado el pasillo...en breve podréis ver aquí ejemplos prácticos hechos por los alumnos.

OTROS DOS LIBROS QUE PODÉIS CONSULTAR Y LLEVAR

PERSPECTIVE FOR COMIC BOOK ARTISTS (David Chelsea)

This clever book teaches artists the unique skill of drawing perspective for spectacular landscapes, fantastic interiors, and other wildly animated backgrounds to fit comic-strip panels.


TEORÍA DE LA INTELIGENCIA CREADORA (Jose Antonio Marina)


El presente libro es una innovadora teoría de la inteligencia, que integra los resultados de las ciencias cognitivas: la neurología, la inteligencia artificial, la psicolingüística, la psicología cognitiva, la filosofía.

 

MÁS LIBROS EN NUESTRA BIBLIOTECA

Poco duran los libros de la BIBLIOTECA MUTANTE en el pallet blanco en el que están expuestos. Los tres últimos fichajes son muy interesantes y además, muy entretenidos. La novela 13,99 euros fue en su momento un auténtico torpedo al mundo de la publicidad, del consumo y de la imagen al servicio de esa rueda sin fín, que crea necesidades y problemas que no existen para después vender la solución.
El libro tiene el valor añadido de haber sido escrito por un publicista, es decir, que, más allá de la ficción que supone leer una novela, es un reflejo de un mundo muy real.

 

Aquí tenemos una reseña del libro:

13,99 euros

Beigbeder, Frédéric

Octave Parango, creativo publicitario, es un joven triunfador, forma parte de quienes deciden lo que el público deseará mañana: «un escritor publicitario es el autor de aforismos que venden». Pero, asqueado de esa industria y sus manipulaciones, decide escribir un libro en el que denunciará los entresijos de la publicidad, para así conseguir que le despidan de la poderosa agencia en la que trabaja. Éste es el punto de partida de 13,99 euros, en el que el narrador protagoniza un enloquecido viaje a los infiernos rituales –drogas, sexo y violencia– con un estilo que ha sido comparado con Bret Easton Ellis y también con Michel Houellebecq, que fue quien le animó a escribir «el libro auténtico sobre el medio publicitario». Novela cruel, panfleto insolente y alegato contra la manipulación consumista, 13,99 euros se convirtió en un auténtico fenómeno de masas en Francia, uno de los mayores bestsellers de los últimos años. «Esta novela describe el maravilloso mundo de la comunicación moderna: un mundo en el que se gastan miles de millones para despertar entre personas que no pueden permitírselo el deseo de comprar cosas que no necesitan. Es un libro sobre nuestra sociedad, la vuestra, la mía, la que yo mismo contribuí a forjar durante mis diez años de presencia en las agencias de publicidad, la que todos hemos dejado crecer por despecho», dice el autor, al tiempo que recuerda que la experiencia de Octave está inspirada en la suya: poco antes de publicar su novela, Frédéric Beigbeder fue despedido de Young & Rubicam, la agencia en la que trabajaba.

Otro libro que podéis llevar es EL VIAJE DEL ESCRITOR, de Christopher Vogler, un tratado práctico y muy completo sobre la NARRACIÓN, analizando esta desde el punto de vista clásico, del VIAJE, un viaje compartido entre el narrador y el lector, una aventura estructurada de una forma que, a pesar de las variantes que introduce el progreso y el cambio de formas de vida, se mantiene inalterable en sus rasgos principales, forjados junto con nuestra cultura durante siglos.
Un libro de obligada lectura para quien esté interesado en cualquier tipo de narración, sea literaria, visual o audiovisual.
 

 

Reseña de casadellibro.com:

 El viaje del escritor se ha convertido en un auténtico clásico y obra de referencia entre los guionistas de todo el mundo. Miles de escritores de reconocido prestigio, cineastas, guionistas y estudiantes de numerosos países han comprobado ya el potencial creativo de las propuestas de Christopher Vogler, ya que éstas van más allá del mero consejo para el diseño y la resolución de historias y hablan a cada escritor de una manera diferente.

EL CANSANCIO DE OCCIDENTE es un ensayo, escrito como una conversación (real) entre los filósofos Rafael Argullol y Eugenio Trías, que hablan sobre la situación cultural en occidente, que ellos identifican con una situación de hartazgo, un momento de indefinición, reflejado no sólo en asuntos sociales y políticos, sino también (y quizá sobre todo) CULTURALES. 

Y para terminar esta nueva andanada de libros, una guía para futuros ILUSTRADORES, DISEÑADORES, o TRABAJADORES DEL MUNDO DE LA IMAGEN.
EL LIBRO BLANCO DE LA ILUSTRACIÓN es España es el oráculo de muchos de estos profesionales, presentes y futuros.
ESte ejemplar es de los últimos que se editaron que refleja cuestiones tan interesantes como GUÍAS DE PRECIOS, formas de ejercer la profesión legalmente, porcentajes habituales de agencias e intermediarios, etc etc etc.
De los últimos porque en los últimos años el libro blanco ya no recoge cuestiones tan precisas y prácticas aludiendo a que eso va contra la competitividad. Así que es un libro útil y escaso. Las últimas actualizaciones pueden descargarse en pdf en la red gratuitamente en este ENLACE

 

EL INTERVALO PERDIDO, de GIllo Dorfles, y PUNTOY LÍNEA SOBRE EL PLANO, de Kandinsky, en la Biblioteca mutante

EL intervalo Perdido, de Dorfles, es un libro que recupera actualidad con los años. La interesante reflexión acerca de cómo la contemplación del arte ha ido dejando de ser un acto espiritual para convertirse en un acto de consumo, y como ello se ha llevado ese "intervalo" necesario para el disfrute, siendo nuestra realidad cultural un maremagnum contínuo, mucho más hoy en día, con la irrupción y consolidación de las redes sociales, donde todo se exhibe en un muro contínuo en el que es difícil encontrar la pausa.

Una reseña del libro del crítico argentino HUgo Beccacece:

El boom de las exposiciones de arte en Occidente es uno de los hechos culturales más destacados de las últimas décadas. ¿De qué modo se produce hoy la apreciación estética de quienes acuden en masa a las galerías y museos? El crítico italiano Gillo Dorfles escribió en los años 80 un libro, hoy un clásico, "El intervalo perdido", en el que se refiere al arco de tiempo "vacío", a la pausa, que, tradicionalmente, separaba un hecho artístico de otro, la apreciación de una obra de arte de la vida diaria. Según Dorfles, el lapso de serenidad que exige la contemplación tiende a desaparecer. Aquel hiato, que permitía asimilar una pintura, una escultura o una sinfonía, y que hasta estaba incluido en la misma obra en ciertos detalles que inducían al "silencio", se ha evaporado. Estamos acosados por muchos estímulos que no nos dejan paz. La avidez por lo nuevo, por el arte concebido como espectáculo reemplazó al goce tradicional de los aficionados.

EL otro libro que acabamos de incorporar a la biblioteca es PUNTO Y LÍNEA SOBRE EL PLANO, de Vassily Kandinsky. Si ya es interesante leer un tratado que analice los elementos pictóricos, lo es mucho más si ese análisis lo hace un artista de la talla de Kandinsky, una figura mítica en la historia del arte no sólo por su trabajo como artista, sino también como profesor en la Escuela de la BAUHAUS

 

 Una obra clásica dentro de la teoría del arte y el diseño , donde se exponen y analizan los conceptos fundamentales del arte. Se propone la visión de la escuela que marcó el diseño desde la segunda mitad del siglo XIX hasta ahora: La escuela Bauhaus y su concepto de Gesltat

Su pequeño tamaño y facilidad de lectura puede provocar a quien no conoce la obra de kandysky (1866-1944) que se trata de algo sin importancia, pero es todo lo contrario: dentro de su hojas se explican conceptos tan complejos y útiles para el análisis pictórico como el punto, la línea y el plano de una manera fácil, lógica y amena como pocos podrían haberlo hecho. 

(reseña de CASADELLIBRO.COM) 

BRUNO MUNARI Y JOAN FONTCUBERTA en la BIBLIOTECA MUTANTE

Ya están prestados los libros de Betty Edwards (Dibujar con el hemisferio derecho del cerebro) y el Manual de Uso de Copyleft, así que DOS nuevos libros esperan lector: nada menos que el ARTE COMO OFICIO, de Bruno Munari

EL ARTE COMO OFICIO plantea interesantes dilemas estéticos, relaciones entre el arte y el diseño, que hagan al artista "bajar del pedestal" de la creación elitista y autosuficiente, y pensar como un diseñador, en crear objetos para su tiempo. Un libro para futuros y presentes creadores visuales, que nos dejará muchas preguntas y puede que alguna respuesta. Reseña del libro:

 Mientras el arte te mantienen al margen de los problemas de la vida, interesa solo a pocas personas.En el presente resulta necesario, que el artista descienda de su pedestal, se convierta en un hombre activo sinabandonar su innato sentido estético, responda con su humildad y competencia a las demandas que el prójimole pueda dirigir.Entre el arte, entendido en el sentido de algo vivo y publico que vibre, y su destinatario. Si lo que usamos en el presente esta hecho con arte( no caprichosamente), nada tendremos que ocultar.Sin tener en cuenta que la vida cambia hay que hacer obra de divulgación. En aquel tiempo , el vaso de aceitefue hecho por un proyectista de la época. Entonces el arte y la vida avanzaban juntamente; no existían objetosde arte para mirar y objetos vulgares para el uso.“Sabemos que solo los métodos técnicos de la realización artística pueden ser enseñados; no el arte. El arte estasiempre presente cuando un pueblo vive de modo sincero y sano. Nuestro deseo es inventar un nuevo sistema de educar que pueda conducir a un completo conocimiento de lasexigencias humanas y una percepción universal de ellas.La intención es formar un nuevo tipo de artista creador en diferentes estilos del arte: abstractismo,dadaismo,cubismo,subrrealismo,infrmalismo,neoabstractismo,neosurrealismo,neodada,pop-art y op-art, etc. Eluno se como al otro y vuelta a empezar.Un artista útil a la sociedad para que esta sociedad encuentre de nuevo su equilibrio y no tenga un mundofalso en que vivir materialmente y un mundo ideal para refugiarse moralmente.

EL otro libro que tenemos en la biblioteca es FOTOGRAFÍA, conceptos y procedimientos,  un título engañoso porque el libro es mucho más que eso, una aproximación al mundo de la fotogafía y sus significados desde muchos puntos de vista diferentes, a cual más interesante.

 

Obra que a la par de guías técnicas, propone una metodología de enseñanza integrada de la fotografía. Incluye los siguientes temas: Sobre la naturaleza de la fotografía; La luz y sus propiedades; Las emulsiones fotosensibles; Imaginar sin cámara; Emulsions modernas y procesado habitual; La formación de la imagen realista Un ojo de cristal: Optica al servicio del realismo; La cámara perfeccionada: Controles de la imagen; Dominios de la fotografía: Seriación y verosimilitud; Trabajo en el cuarto oscuro; El "sistema de zonas"; La fotografía en su contexto

DOS NUEVOS LIBROS EN LA BIBLIOTECA MUTANTE

Como los libros de la semana pasada (La Palabra Pintada, de Tom Wolfe y El Libro del Guiòn, de Syd Field) se encuentran ya en préstamo, se incorporan hoy lunes otros dos, que esperemos duren poco en la estantería. Los dos merecen una atenta lectura, porque son tan imprescindibles como los que estaban antes y como los que estarán después:


COPYLEFT, MANUAL DE USO, es un libro divulgativo que nos cuenta todo lo que hay que saber sobre el copyleft, los derechos de autor, y de còmo usar (y còmo permitir usar) material propio y ajeno, una vez estè en la selva de la red.
El libro puede encontrarse gratuitamente en la red, y por tanto, todos podèis leerlo aquí:
https://www.traficantes.net/sites/default/files/guia%20copyleft%20web.pdf
Sin embargo si preferís el papel, podèis llevaros durante 15 días el libro que està en el aula:

Un libro de lectura obligada para todos los creadores de contenidos visuales y audiovisuales, entre los que, lo creàis o no, YA estàis vosotros. Un extracto de la introducción del libro:

“Hace ya algún tiempo, el término copyleft saltaba los márgenes del código informático y se instalaba en todos los ámbitos de la producción intelectual. Todavía relativamente desconocido, torpemente pronunciado por los no iniciados, el copyleft se ha convertido sin embargo en la bandera de un movimiento cultural y político que reúne a toda clase de creadores y trabajadores intelectuales: músicos, escritores, programadores, artistas, editores, juristas, mediactivistas y un larguísimo etcétera que amenaza con instalarse en cada rincón de la sociedad. ”...

El OTRO libro que podèis llevaros es otra joya, un caramelo para dibujantes, el tratado de Betty Edwars, dibujante y psicóloga, sobre los mecanismos perceptivos y neurológicos que nos hacen APRENDER a dibujar màs rápido, màs despacio, o a no hacerlo nunca. Su lenguaje es sencillo y sus resultados, inmediatos.

 Pueden verse extractos del libro en PDF aquí, aunque es un libro que merece la pena tener en casa y leer detenidamente en papel.
Editado por Herman Blume, aquí tenèis algunas reseñas del libro:
"No es únicamente un libro sobre dibujo. Es un libro sobre cómo vivir. Esta valiosa aportación a la enseñanza del dibujo no puede considerarse un simple manual... nos ayuda a ser libres." --Los Angeles Times
Aprender a dibujar con el lado derecho del cerebro es una de esas obras que por su originalidad e inspiración marcan un antes y un después y se constituyen en obligado punto de referencia. Traducida a trece idiomas, ha enseñado a dibujar a millones de lectores y ha servido de guía para miles de profesionales del arte. Esta nueva edición de un auténtico clásico de la enseñanza del dibujo ha sido totalmente revisada y actualizada. Casi una década después de su aparición en castellano, esta edición puesta al día incorpora los últimos descubrimientos en el campo de la investigación de los procesos cerebrales y aporta nuevas sugerencias para aplicar las técnicas de aprendizaje artístico en el ámbito empresarial y en la resolución creativa de problemas

DISEÑO

El DISEÑO supuso el cambio de paradigma principal que marca la manera de crear, fabricar y producir de la sociedad medieval a la sociedad moderna: de la creación artesanal se pasó a la fabricación industrial, la producción en serie y la normalización y optimización de recursos.
Como tal, el diseño ha existido siempre, ya que cualquier objeto construido por el hombre ha sido CONCEBIDO antes, y es esa concepción inicial lo que podríamos definir como diseño...pero ese proceso se ha ido reforzando, desde la manufactura y la improvisación de tiempos pasados, hasta la creación consciente, en la que no sólo se concibe el objeto en sí, sino también su forma de encajar en el "mercado" que rige la sociedad actual (costes, precios, recursos necesarios, público objetivo, necesidad previa o "creada"...).

La sociedad industrial ha terminado con algunas cosas y ha traído otras. Hemos pasado del mueble, pieza única, creado por un ebanista, al diseño nórdico en masa de Ikea...de los carteles de cine pintados a mano por especialistas en grandes superficies al diseño gráfico y al diseño web...del horror vacui al minimalismo, de los objetos creados para siempre a la obsolescencia programada, de cubrir necesidades a inventárnoslas (o más bien, a asumir las necesidades que se inventan otros para nosotros).


El Diseño es algo apasionante, un pulpo de muchas patas que abarca desde la arquitectura a la tipografía, desde el escaparatismo a la maquetación, desde el cartelismo a la web, desde el interiorismo al diseño industrial, desde la frialdad de la normalización industrial hasta la pura creación, nunca del todo libre (quizá esto sea lo que diferencia al diseño del arte, aunque también es discutible que el arte sea un espacio libre del todo).

El DISEÑO es, ante todo, una actividad humana, que nos hace relacionarnos con el mundo, que nos diferencia de seres menos evolucionados y que nos permite concebir el futuro desde el presente y el pasado. Es algo apasionante, que debemos de abordar teniendo siempre en cuenta a los demás: el para qué, para quién, el porqué y el cómo, son preguntas que nos haremos constantemente, disfrazándonos de otros para obtener las respuestas, cuando no obteniéndolas de esos otros directamente.


En esta asignatura procuraremos trabajar con esos OTROS: con empresas e instituciones locales, con departamentos del centro, y sobre todo, con personas, tomando consciencia de lo importante que es DISEÑAR y conocer cómo se diseñan las cosas, algo que por desconocimiento suele atribuirse a un fín estético, que tiene que ver con tendencias, y no a algo mucho más profundo, que tiene raíces en el conocimiento, la tradición, la antropología, y la mercantilización de nuestras necesidades y nuestras vidas, para bien y para mal.

Como toda actividad que sirve para cubrir necesidades y a veces para crearlas, el DESEO es parte a veces importante, a veces DEMASIADO importante, de ese mecanismo creador. Tendremos que aprender a diferenciar el diseño como acto honesto de cubrir una necesidad humana y satisfacerla, del acto no siempre honesto de inventar una necesidad no existente, a veces sin más ánimo que el lucro.
El diseño es frío y apasionado a la vez, es razón y es instinto, es la verdad y la mentira, es el signo de los tiempos...

LIBROS QUE VIENEN Y VAN...PERO QUE SE QUEDAN

Durante este curso, los alumnos de Bachillerato de Artes dispondrán de una "Biblioteca" dinámica en el aula de Dibujo Artístico.
En ella siempre estarán expuestos DOS libros, junto con una breve sinopsis de su contenido.
Los libros serán en su mayoría ensayos sobre arte, pero también libros sobre técnicas o procedimientos, libros sobre artistas, y también cómics y novelas gráficas.
Cada alumno (de Volumen, Dibujo Artístico I y II y Diseño) deberá leer DOS al menos durante el curso para poder aprobar la asignatura, y enviar un comentario, un breve análisis crítico sobre el libro, al correo del profesor.
Los que lean a mayores puntuarán positivamente en la nota final.
Pueden llevarse a casa durante DOS semanas, y después de devolverlo el alumno dispondrá de UNA semana más para hacer y enviar el comentario.


Cuando un alumno se lleve un libro, será inmediatamente sustituido por otro en el panel del fondo de clase, de manera que siempre haya dos libros expuestos.


Empezamos con dos libros imprescindibles : LA PALABRA PINTADA, de Tom Wolfe (1975), de la que adjuntamos una breve reseña de Casa del Libro:


En La palabra pintada, Tom Wolfe describe el curso errático de la historia social del arte moderno, desde sus inicios revolucionarios -una revolución contra el contenido literario en las obras artísticas- hasta su estado actual. Según Wolfe, el arte moderno se ha convertido, inconscientemente, en una parodia de sí mismo, obsesivamente devoto de ciertos críticos-gurús hasta el punto de reducción al absurdo en que se ha convertido: tan literario, académico y manierista como la pintura contra la que se había rebelado. El arte moderno pronto se puso de moda.

Y el otro libro (más que un ensayo, un manual, a nivel técnico y conceptual, sobre la narración visual, particularmente el guión cinematográfico). Reseña, también de Casadellibro.com:


He aquí un libro imprescindible y clarificador para el futuro guionista y el profesional consolidado. Escrito por el profesor de guión más solicitado del mundo. Un manual de lectura amena, con exposiciones claras y sistemáticas, con ejercicios, ejemplos reales, esquemas, consejos, etc. El autor nos proporciona la técnica de la escritura de guiones, sencilla y depurada por años de experimentación. Cómo, partiendo de una idea, podemos construir un guión, dotándolo de personajes sólidos y diálogos ajustados, sacando el máximo partido a las técnicas más profesionales. Tomando como base guiones tan emblemáticos como los de Chinatown, Annie Hall, Todos los hombres del Presidente o Los tres días del cóndor, entre otros, aprende paso a paso: la importancia de un buen comienzo; cómo construir personajes y desarrollar escenas; cómo adaptar una novela o cualquier otro texto y convertirlo en un guión; cómo sacer el mayor partido a la colaboración con otros guionistas y algunos consejos sobre cómo dar salida a tu guión.

VOLUMEN

Este curso 2016 2017 empezaremos el taller de Volumen con un poquito más de material que el curso pasado, y con muchas e interesantes cosas que hacer por delante.
La experiencia del curso pasado con LA PENSADORA, una escultura de gran formato realizada íntegramente con papel reciclado de libros de texto, un trabajo colectivo que permanece "pensando" en la tercera planta, nos da pie a continuar en esa línea de trabajo y plantear para este curso un proyecto colectivo de  similares características.

La PENSADORA está basada en el Pensador de Auguste Rodín, escultura de las que existen varias copias en bronce, la mayor parte en París. Representa un hombre sentado en actitud reflexiva, en una postura muy bien pensada por parte del escultor, ya que las extremidades y sus apoyos en la masa central equilibran a la pieza, de forma que resulta autosustentante.

En el caso de nuestra pensadora ni tan siquiera hay una estructura rígida interior, y el apoyo del peso sobre la mesa, y de las partes salientes sobre el cuerpo central, logra que la escultura, a pesar de la fragilidad de la materia prima, sea estable.

La estructura de la construcción (de la nuestra) se hizo a base de bolas de papel, que en hileras y atadas con cinta, formaron vainas, las cuales sirvieron después para hacer haces de mayor anchura. Es decir, es una estructura sencilla, ligera y relativamente fácil (y desde luego, barata) de hacer, respetuosa con el medio ambiente (los libros iban a ser destruídos), aunque también trabajosa.

Pero el secreto estuvo en el gran trabajo en equipo de toda la clase, algo que esperemos se repita este curso.

Aunque la idea es que sean los propios alumnos los que desarrollen el proyecto que haremos este curso en su totalidad, lanzamos alguna propuesta para empezar a hacer girar los engranajes de las cabezas...las de cada uno y la gran cabeza que es la resultante de  tener un equipo pensando en la misma dirección...

Podemos partir, como en el curso pasado, de una estatua reconocible, (el Discóbolo, el David...) y hacer una versión de esa obra, utilizando otra vez material reciclado (puede ser papel de los libros de texto que se tiran cada año, u otra cosa). En el caso de la Pensadora, pensamos, valga la redundancia, que muchas representaciones escultóricas de figuras humanas (no sólo en épocas pasadas, ahora también) suelen figuras masculinas, apareciendo la mujer en figuras en las que representan un papel pasivo u ornamental, (o bien representaciones de vírgenes, lo que viene a ser más o menos lo mismo).

A un hombre (real o mitológico), le es reconocido ese papel activo e inmortalizado en el arte, pero no suele reconocérsele lo mismo a una mujer.

Esto no es algo que se haya superado...si leemos las crónicas sobre los medallistas olímpicos españoles en Río 2016, por poner un ejemplo reciente, veremos que el tratamiento periodístico a las mujeres medallistas (que por cierto, son mayoría) les atribuye un papel pasivo con respecto a sus entrenadores (hombres) e incluso con respecto a sus parejas.

Por eso, feminizamos el pensador...en el MGB es una pensadora, como la siguiente propuesta podría ser una discóbola o una lanzadora de honda que ha acabado con un gigante.

Pero esto no son más que propuestas, que el alumnado puede tener en cuenta o no...lo que seguro que haremos es una gran escultura: clásica o no, femenina o no, de papel o de otra cosa, figurativa o abstracta...pero en todo caso, fruto del trabajo (y del diseño) colectivo y mancomunado.

Este proyecto empieza a rodar ya, aunque se realice ya avanzado el curso, así que id pensando qué se puede hacer...hay millones de ideas geniales por el aire que están deseando ser cazadas cual pokémons...y entre amigos se caza mejor que solo...

Y mientras pensamos en esto, echaremos a rodar con el taller, con pequeños trabajos, inicialmente de modelado, con arcilla, papel maché, escayola, cera...incluso cosas hechas con la impresora 3d que se está terminando de montar en el taller de tecnología.

El curso promete! Id trayendo los mandilones...